viernes, 18 de abril de 2014

La música del azar

La novela de Paul Auster en adaptación de Izcovich 




Escribe:
Alejandro Miroli


Gabriela Izcovich ha adaptado al teatro varios textos de la literatura contemporánea, en un ejercicio que les pone “cuerpo” a personajes que teníamos construidos en la lectura ficcional. En este caso adaptó La música del azar (The Music of Chance, 1990) quinta novela del autor –si se toma la Trilogía de Nueva York un único emprendimiento–.


Podemos considerar a la historia como una tragedia moderna: no hay dioses, ni sino, que guíen a los personajes hacia su destino final, sino la propia ofuscación con historias de vida no resueltas y lamentadas, la incapacidad de reconocer señales de peligro en el juego, y el destino impensado y temible al que arriban sin comprender bien la secuencia de hechos y casi sin ofrecer resistencia. 


Todo ello está sólidamente presente en la obra:  Nelson Barrientos (Alfredo Martín), es un ex bombero que toma con su auto un camino sin destino, en la expresión de un viejo tópico cultural estadounidense: la road experience, y cerca del momento en que sus recursos se van acabando, en el final de ese camino sin destino, se encuentra con Jack Pozzi (Gerardo Maleh), un jugador profesional de póker que se quiere desquitar de una pérdida en lo que llama la partida de su vida contra dos excéntricos millonarios Flower (Carlos Ponte) y Stone (Agustín Pruzzo), a los que había enfrentando en una ocasión anterior, creyéndolos jugadores ingenuos.


Enfrascados en la partida, van redoblando las apuestas sin percibir el riesgo hasta perder todo, la propia libertad incluso; por ello el resultado catastrófico de la partida los obliga a quedarse y pagar con trabajo la deuda tomada en el juego: construir un inmenso muro bajo la vigilancia de Murks (Alejandro Vizzotti), todo lo que termina consumando el sino trágico que los depositara allí.


Quién leyó la novela podrá reconocer las líneas generales de ella, y la tensión dramática que presenta, quienes no la leyeron, ni quisieran referir al texto novelístico para juzgar la obra hallarán, un desarrollo dramático de la partida de póker, y una narración oral del encuentro de Nelson y Jack, lo que quizá torne un poco morosa la acción.

Carlos Ponte está excelente en su papel de exagerado millonario, coleccionista de piedras, el resto del elenco acompaña. Gerardo Maley presenta un carácter exuberante y canchero, casi agresivo, que no se condice con la realidad de los jugadores de póker –en donde la simulación, y la movilización del deseo del rival son rasgos fundamentales en los jugadores entrenados–.
La escenografía y la iluminación contribuyen a la ambientación general de la tragedia.  La acción se ubica en varios espacios, rompiendo la unidad formal del escenario, y dando cuenta de la inmensidad de la propiedad de los excéntricos.

Por último cabe señalar que esta obra fue llevada al cine en 1993 –“The Music of Chance” (1993) Dir. Philip Hass y guión del propio Paul Auster y Philip y Belinda Hass– y un elenco en el que sobresalían dos notables actores de carácter: M. Emmet Walsh como Calvin Murks y Charles Durning como Bill Flower.



Esta puesta es reposición de la estrenada, originalmente, en Samsung Studio, en el año 2013.


Gabriela Izcovich es directora, actriz y dramaturga. Cabe destacar también su labor de adaptadora teatral de importantes novelas como Intimidad de Hanif Kureishi, El último encuentro de Sándor Márai, Terapia de David Lodge, La Venda de Siri Hustdvedt, Nocturno Hindú de Antonio Tabucchi, Aráoz y la verdad de Eduardo Sacheri, Más liviano que el aire de Federico Jeanmaire y recientemente La Música del Azar, de Paul Auster. Autora original de las obras teatrales: Todos Hablan, Por favor sentate, Sin voz,  Cosas que pasan y Bocas de Registro. Todas estas piezas han sido dirigidas, como en algunos casos también interpretadas actoralmente por ella. Ha participado en Festivales internacionales como el Festival de Otoño de Madrid, Festival Grec de la ciudad de Barcelona, Festival de Manizales,  Festival de Colombia y Festival Internacional de Buenos Aires. 


Sus espectáculos han realizado temporadas en el Teatro Lluire y en la Sala Beckett de Barcelona en reiteradas oportunidades, en el Teatro Villaroel de Barcelona, como así también en el Teatro Studio de la ciudad de Florencia, Italia.
Co-dirigió junto a Javier Daulte  e interpretó las piezas del autor: Faros de Color, y Fuera de Cuadro.
Pedagoga y fundadora de la escuela de teatro Konstantín donde dicta sus cursos. Y anualmente dicta sus seminarios en España como así también en el interior del país.
Dentro de sus trabajos como actriz se destaca su participación en la película Tiempo de Valientes de Damián Szifrón y en la obra Miami de Cynthia Edul.



Ficha Técnica:
Adaptación teatral y dirección: Gabriela Izcovich
Actores: Alfredo Martín, Gerardo Maleh, Alejandro Vizzotti, Carlos Ponte, Agustín Pruzzo

Música original: Lucas Fridman
Diseño de iluminación: Ricardo Sica
Asistencia de iluminación: Mariano Dobrysz
Asistente de dirección, productor ejecutivo y fotos: Marco Riccobene

Teatro La Carbonera: Balcarce 998, Capital Federal
Localidades: $ 90 - Reservas: 011 4362-2651
Notas y acreditaciones: Andrea Feiguin
1150621635


miércoles, 16 de abril de 2014

Cuentos que suenan, un espectáculo de narración musical

Escribe:
Alvarez Castillo 


Se puede ver en el Teatro del Pasillo esta obra para los más pequeños, que goza de buena factura general, con una escenografía sencilla, al tiempo que dirigida al corazón de los niños.









La obra se basa en la conducción principal de Fernanda Gómez, como relatora, y las intervenciones musicales y humorísticas de Erika Brandauer. Un buen dúo artístico. Dos cuentos de creación propia sirven de excusa para la imaginación.

Destacamos la calidad de la sala, desde los elementos técnicos, la iluminación y el sonido, que, justamente, colaboran favorablemente en “Cuentos que suenan”. El mes anterior habíamos presenciado “Un cuento de lágrimas en Portugal” (1), en la planta baja, ámbito adaptado correctamente para ese espectáculo; pero el teatro del primer piso, por cierto, es un “chiche”.

(1) http://arteenbaires.blogspot.com.ar/2014/03/un-cuento-de-lagrimas-en-portugal.html


Sinopsis y datos generales:

Cada historia tiene su música, cada imagen su sonido, cada personaje su instrumento. Cuentos que Suenan es un juego con la musicalidad de las palabras, una invitación a chapotear entre corcheas, a regalar susurros de arco iris, navegar sobre el arco de un violín, a escuchar el silencio que se acurruca detrás de las palabras.

FERNANDA GOMEZ, directora, narradora y actriz.
Sus primeros pasos en la narración fueron de la mano de Ana María Bovo. Junto a Enrique Dumont codirijio y actuó en el teatro Nacional Cervantes por años. Entre otros trabajó con Héctor Presa, Carlos March, Alejandro Dolina.

ERIKA BRANDAUER, música y actriz.
Estudió el Profesorado de Flauta Traversa. Conservatorio de Música de Bahía Blanca

Saxo, Luthería: Muxxica. Musicalizó y realizó la escenografría en diversos espectáculos.

Ficha técnica:


Actúan: Fernanda Gomez y Erika Brandauer
Dirección: Fernanda Gomez
Funciones: Sábados 17 horas
Teatro Del Pasillo: Colombres 35  - Almagro
Reservas: 49815167 - Valor de la entrada: $50.-
Para niños de 1 a 100 años

Música: Erika Brandauer
Vestuario: Buena Jarana
Iluminanción: Mariano Pozzi
Diseño gráfico: Gabriela Ramos


Albacea, nuevo libro de Pancho Muñoz

Después de cuatro años, desde la salida de "20 Poemas Japoneses y Equitación Peronista", Pancho Muñoz nos entrega "Albacea", un conjunto de poesías plenas de un lirismo muy nuestro, un lirismo porteño que interpela lo social, a la par de lo existencial. 









La presentación de la obra se dio en el Centro Cultural Caras y Caretas, de la calle Venezuela, en nuestra ciudad de Buenos Aires. Asistieron numerosos intelectuales, gente de los medios, familiares y amigos del poeta, reconocido periodista y hombre de radio.


Inició el acto la editora de milena caserola, Patricia González López, dando la palabra a la actriz Silvina Sosto, quien leyó con emoción y calidad poemas del libro. Continuó, entre anécdotas y juicios sobre la poética de Muñoz, el también poeta: Rodolfo Edwards. Daniel Ripoll -a esta altura de la historia, el legendario creado de "Pelo"- hizo alusión, por encima de la poesía, al poeta. Luego, Pancho Muñoz,  cerró el acto expresando su alegría, con palabras sencillas, entre aplausos y el cariño compartido.



Les dejamos un poema de "Albacea":

Civilización y Barbarie

Dichas las excepciones, agarresé
que ahora viene la regla, y dijo entonces
que los animales nos seducen solamente cuando niños
y en los últimos años de la vida, y también dijo

que en el entretanto
los animales dejan de seducirnos
porque en verdad jamás seduce lo que somos.

Ahora vaya y póngale música.








sábado, 29 de marzo de 2014

Un cuento de lágrimas en Portugal

Apuesta poética de Silvia Copello 

Escribe: 
Alvarez Castillo



Inspirada en la obra de Alejandro Casona: “Corona de amor y muerte”, Silvia Copello se animó a ir por más y compuso este texto poético-narrativo, que ella misma anima, con su voz y su cuerpo, en el Teatro del pasillo, desde mediados de marzo, los días viernes.

A pocos metros de los espectadores, con su imagen superpuesta a una serie de proyecciones, con música incidental, nos transporta a la Edad Media, a Portugal, a Coimbra, a la tierra y a la época en que tuvo lugar esta verdadera historia de amor entre Inés y Pedro.
 Silvia Copello, por 40 minutos, tomó el reto de cautivarnos con su presencia y su texto. Reto auténtico en el que nos cuenta las desventuras y la tragedia que hacen a esa relación entre un heredero que arriesga todo por esa mujer. Con Inés de Castro tendrá 3 hijos que despertarán temor en la sucesión de la corona en el viejo rey, Alfonso IV.

Los dos túmulos mortuorios, en mármol trabajado, enfrentados desde las plantas de los pies, en la confianza de que el día en que resuciten, al alzarse ambos cuerpos se descubrirán uno ante el otro; es una hermosa metáfora de este amor y de la confianza que siempre mantuvo Pedro, más allá del espanto y tragedia, de que su destino era junto a su amada, y que nada de lo que se interpusiese iba a triunfar por encima de la voluntad de ellos. 


Nos hubiera gustado, en algunos pasajes, presenciar mayor dramatismo en la expresividad. Quizá ello hable de la falta de cierta marcación en el texto que potencie aún más la historia. Atentos, igualmente, a que estamos ante un relato llevado a una forma particular de representación.


La música y el video acompañan acertadamente a Silvia Copello, durante la puesta de la narración. Y es logrado el efecto de Copello  en diálogo con su imagen, sobre el fondo proyectado de Coimbra.
Una obra para un público sensible que valorará este rescate de la historia de Inés de Castro y Pedro I de Portugal.



Sinopsis de la obra de Alejandro Casona: “Corona de amor y muerte”

De carácter histórico, la obra se centra en el personaje de Doña Inés de Castro y su relación con el Infante don Pedro, heredero de la corona de Portugal. Éste se ha comprometido en un enlace de carácter político con Constanza de Castilla. El problema surge cuando el infante reconoce estar enamorado de doña Inés con la que ha tenido ya tres hijos.

Ficha técnico artística



TEATRO DEL PASILLO
Colombres 35 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4981-5167

Web: 
http://www.delpasilloteatro.com.ar
Entrada: $ 50,00 - Viernes - 21:00 hs - Desde el 14/03/2014 


El Diablo pellizca, obra de Claudia Carbonell y Alejandra A. González

Escribe: Alejandro Miroli 


Cuarta obra de González & Carbonell, con dirección de la propia Claudia Carbonell, El Diablo Pellizca presenta a cinco pensionistas en un geriátrico, que van a vivir una transformación en la búsqueda de la memoria.
Empleando las propias herramientas teatrales –en un ejercicio más de teatro dentro del teatro- los personajes se abocan a un ejercicio de representación teatral para rescatar la memoria de Doña Joaquina –quien en su madurez fuera una importante actriz teatral que representó los grandes papeles femeninos del teatro occidental–. Así Doña Joaquina revive sus personajes más encarnados, desde los cuales entra en diálogo con todos sus compañeros, situaciones en las que hay una memoria feroz, sin traza de amnesia u olvido.


La obra tiene un talante optimista, después de los ensayos de “La Casa de Bernarda Alba”, los pensionistas de El Diablo Pellizca, dejan de tomar medicación y parecen reparar sus problemas físicos; no está claro que el compromiso exhibido en dichos ensayos pueda auspiciar dicho resultado en ninguna situación real.


Por último El Diablo Pellizca tiene un final brillante, que cierra y da sentido a todo el desarrollo, que pone el azar en juego cuando se arriba sin saberlo al resultado esperado.


Matilde Campilongo hace una excelente representación de cuatro personajes, casi en forma perfecta; el resto del elenco exhibe solvencia y precisión: Sandra Grandinetti compone una pensionista que preserva su ancianidad actuada en forma precisa. Javier Gómez, Gerardo Niñe y Amadeo Pellegrino, en cambio, parecen olvidar la ancianidad que exhiben en el comienzo de la obra, y en forma automática parecen recuperar la juventud. Silvia Villazur –en un papel que opera como el ordenador de la acción dramática– está precisa e introduce un elemento de comedia. Fernando Armani exhibe un gran oficio teatral, María Laura León en el papel de la hija debería acentuar la emoción de una madre ausente. 

Cierta aceleración conspira contra la continuidad, en algunos momentos, y descoloca a los actores con su texto.

La escenografía es austera y precisa, mientras la iluminación y la musicalización contribuyen a la calidad del espectáculo. Sobre el final  recae sobre ella la ubicación temporal de la obra.
Por último, dos salvedades: a diferencia de lo que afirma un personaje, Federico García Lorca fue asesinado por obscuras cuestiones familiares y por su homosexualidad, no tanto por sus ideas republicanas. 


"El diablo pellizca" debería ser vista por todos los lectores de la obra de Oliver Sacks; los casos clínicos, que presenta este neurólogo inglés, exhiben la complejidad y provocan nuestro asombro de modo semejante a la forma en que Doña Joaquina expresa una demencia cargada de recuerdos.

ELENCO  Joaquina Catuara Chahuí…MATILDE CAMPILONGO /Horacio Albarracín Andrada……FERNANDO ARMANI/ Rita….MARÍA LAURA LEÓN/ Lali…SILVIA VILLAZUR/Sra. de Gutusso…SANDRA GRANDINETTI/Don Jacobo...JAVIER GOMEZ/Don Dante….GERARDO NIÑE/Don Giuseppe…AMADEO PELLEGRINO

FICHA TÉCNICA  Música Original y Diseño Sonoro.…ANALÍA ROSENBERG/Diseño de Escenografía y Vestuario….JORGE LOPEZ/Asist de Vestuario...LAURA CROCE/Asesoramiento en Peinados….FEDERICO BRÚ/Diseño de Iluminación….GUSTAVO DIMAS GARCÍA/ Prensa y Difusión…LAURA CASTILLO/ Fotografías...MARCELA GABBIANI/ Técnico de luces…ALFREDO TORRES/ Diseño Gráfico…….SANTIAGO CARRIZO/Producción General….RUHESI PRODUCCIONES/ Asist de Dirección….MARÍA HORTON/Dirección…CLAUDIA CARBONELL

SÁBADOS 21:30 hs
TEATRO PATIO DE ACTORES 
Lerma 568 - TEL.: 4772-9732
Entrada gral. $90 Desc. estudiantes y jubilados: $70
Reservas EXCLUSIVAMENTE por http://www.alternativateatral.com/entradas.asp

lunes, 24 de marzo de 2014

Estocolmo mon amour, y el otro lado del espejo

Escribe: 
Alvarez Castillo   



La sinopsis que nos ofrece el Grupo PIVOT, alcanza para darnos cierta idea sobre el argumento de esta obra de Marc Egea. 


"Estocolmo mon amour es una comedia sobre un grupo de maestros que, empujados por la codicia y el deseo del dinero fácil, deciden cometer un secuestro. La jefa máxima de la operación reúne a los secuestradores para informarles que han secuestrado a la persona equivocada. Hay que proceder, por lo tanto, a la liberación de la rehén.
Pero la impericia de los captores hace que se cometa otro gran error…
Se desencadena entonces un conflicto que pone al descubierto las tragicómicas miserias de los secuestradores.”



El trabajo sobre dos perspectivas de la acción, una vuelta de tuerca que
podemos denominar la otra mirada, donde se presentará el síndrome de Estocolmo –del que recibe el nombre la obra– en clave romántica, es una interesante experiencia que tiene en la literatura antecedentes importantes, y no sólo “El cuarteto de Alejandría” de Lawrence Durrell.


Estocolmo mon amour es una comedia a un mismo tiempo policial y romántica, que crea complicidad en el espectador. Éste sabrá, llegado el momento, más que los mismos actores que están en el escenario, por esa visión del otro lado de la cortina que presenta el texto. Allí se desnuda la realidad que sugiere la primera parte

El lenguaje coloquial en el que se narra la historia, las palabras que ocultan inicialmente el secuestro (la liebre), o los apodos que intentan enmascarar a estos amateurs de delincuentes, junto a otros elementos que riegan la obra, ayudan a que lo humorístico y la actuación de los actores, no den pausa en la atención. El espectáculo tiene una lograda dinámica desde el inicio hasta el fin.


El grupo presenta una actuación y ensamble convincentes, siendo los puntos más altos –a nuestro parecer– los trabajos de Marianela Quevedo y del Daniel Di Rubba, quien merece una distinción aparte por su dirección y adaptación de la creación de Marc Egea, un joven y contemporáneo dramaturgo catalán, homónimo del músico y compositor, especializado en la zanfona.



Mención aparte merece Mirta Vacalebre, una verdadera capocómica, quien ya nos ha sorprendido excelentemente con su intervención en otra adaptación y dirección de Daniel Di Rubba, Mujeres jubilosas, (http://arteenbaires.blogspot.com.ar/2012/07/mujeres-jubilosas.html). En esta obra también es la última en aparecer. Interesante coincidencia, porque su energía sobre el escenario moviliza el elenco. 


En la función a la que asistió Arte en Baires (1), el papel de Sandra, en suplencia de la actriz titular, lo cubrió satisfactoriamente Lucía Espósito.



En nuestra síntesis, el grupo PIVOT da muestras de solvencia en su trabajo y producción. El imprevisto señalado de la función del 7 de marzo, a la que asistimos, y la normalidad en la representación de la obra, son una clara señal de lo que decimos.


      (1)   7 de marzo de 2014.

Ficha de la obra:

Grupo PIVOT
Bea    Liliana Gallo
Javier     Daniel Di Rubba
Víctor     Pablo López
Sandra     Antonella Tiravassi
Señora X    Adriana Gallo
Ale    Mirta Vacalebre
Natalia     Marianela Quevedo

Abajo del escenario:
Nacho Ramos     Actor Suplente y asistente
Lucía Espósito     Actriz Suplente y asistente 

Autor: Marc Egea
Dirección Y adaptación: Daniel Di Rubba

Duración del espectáculo en minutos: 90 minutos

Teatro Porteño (Corrientes 1630):
Funciones Viernes 20.30 hs., 
desde el 07/03/14 al 25/04/14.
www.teatroportenio.com Tel: 011-4372-5474     


jueves, 6 de marzo de 2014

Carnes Una creación de Gustavo Soto

Escribe:
Alvarez Castillo 



Arriesgamos, y nos animamos a sugerir, que lo que anima a Gustavo Soto en esta nueva experiencia es desentrañar qué es un cuerpo, qué hay en él, detrás de su apariencia, además de esa “carne” que es presencia, o simplemente, cuánto de carne hay en él.
En el blog de la obra se anuncia que: “La puesta en escena quiere representar de manera abstracta y poética el ámbito de un frigorífico, de las reses y costillares  donde todo puede pasar, abriendo un abanico de posibilidades de la percepción a través de la música y los movimientos de los intérpretes bailarines en escena.”. Visualizamos una escenografía minimalista que les da los protagonistas los elementos esenciales, desde la ropa o el mismo desnudo, sobre los que apoyarán su acción en la escena.

Ante nuestro ojos está la voluptuosidad de un cuerpo, la estilización de otro; el despojarse de las vestiduras, como un rito que desnuda algo más que esa superficie que es la piel. Cuerpos que se contorsionan, se sacuden; torbellino, temblor y quietud, mientras otros exhiben un ritmo robótico y estallan en danza. Y lo masculino: es ausencia y presencia, y desde ese ocultamiento, y desde esa aparición furtiva, moviliza en los otros actores de la obra la acción. Hay cortejo, hay atracción, seducción y rechazo. Esas carnes –como granos de arena tirados al azar sobre una tabla rasa– están tras el significado, una mirada, un contacto, que les otorgue sentido.



El grupo se expresa fiel a la idea de la obra. Música y protagonistas danzan la misma partitura.








Ficha técnica:

Intérpretes: Belinda Actis, Nuria Vadell, Romina Alaniz, Damian Saban.
Música Original e ingeniería de sonidos: Alberto Quercia Lagos.
Diseño gráfico: Alejandro Elizondo.
Camcoder VideoArte Danza: Roddy Castro.
Fotografía: Martín Raviolo.
Escenografía: Verónica Vojcicki.
Diseño de Iluminación: Gustavo Soto.
Vestuario: Marisa Elorriaga.
Asistente de producción: Alejandra Centanaro. 
Prensa: Simkin & Franco.
Composición coreográfica y dirección general: 
Gustavo Soto.
Duración: 40 minutos.