jueves, 12 de octubre de 2017

NINFAS, MÁS QUE MUJERES

UNA EXPERIENCIA
QUE INDAGA
EN NUESTRO
ACERVO MÍTICO  







ESCRIBE:
HÉCTOR ALVAREZ CASTILLO


Las ninfas, hijas de Zeus, seres unidos a la naturaleza, habitan en ella; llámese ríos, montañas, árboles o arroyos, la naturaleza es su ámbito sagrado. Están en el origen de los linajes patricios y de las ciudades. No son mujeres, pero las figuramos como tales, ellas pertenecen al Olimpo, su ascendencia es divina. Las figuramos como doncellas y hermosas, desnudas o semidesnudas. En ellas reside la fuerza y la energía de la naturaleza en un estado puro.

Consideramos que estas nociones están en la apuesta teatral que realiza Bianca Lerner, conjugando con destreza diversos lenguajes y géneros. Esta creación original une a la actuación distintas coreografías.
Presenciamos simetrías y asimetrías en los desplazamientos de las cinco integrantes de esta experiencia, quienes no abandonan jamás la escena. Estas mujeres, transformadas en ninfas por la magia del teatro, sólo cubiertas por tapados de pieles que nos refieren a una vida salvaje, se exhiben entregadas a los instintos pero también a la perplejidad de ser, de estar en la vida. Las vemos como seres en manada, al tiempo que despojadas de toda certeza.

La banda sonora siempre está presente. Sobre eso, más allá de la calidad del material musical, señalamos el abuso en el volumen que, por momentos, satura y afecta de tal manera al espectador que no permite apreciar lo que sucede, además de mortificar físicamente.

Ninfa es un espectáculo atractivo y equilibrado ante el riesgo que asume. Cada ninfa es una, pero todas son parte de esa noción mítica que hemos extraviado gracias a siglos de una racionalidad exasperante. Ellas, en alguna parte, nos preguntan, nos inquietan, sobre una visión de la realidad y de la existencia que hemos sepultado o que, sencillamente, aceptamos que sea sepultada.   



Sinopsis de Prensa:

El recorte de un paisaje particular, una configuración habitada por múltiples registros que, sin reducirse el uno al otro, generan un hábitat propicio para lo poético, para el tiempo animal; la pulsión que antecede a lo ya decifrado.
Un cruce entre lo animalesco y lo humano, el híbrido entre lo bello y lo salvaje. Cinco mujeres de este mundo y de otro a la vez, un estar primario que nos detiene y nos interpela. 
 
Sobre la obra:

Los tapados de piel de una abuela fallecida fabricados por su esposo peletero en un barrio del conurbano de Buenos Aires, son el disparador de este mundo onírico y bestial.
Luego de estar años guardados en el ropero, estos tapados se resignifican en el cuerpo de cinco mujeres que pierden su silueta para adentrarse en una fisicalidad entre animal y humana.
Ninfa nos propone el fragmento de un mundo particular, con sus criaturas, su corporalidad, su tiempo, sus sonidos, texturas y relaciones. 
A través de un tratamiento rítmico y un lenguaje que se mantiene híbrido y latente, Ninfa nos habla de lo civilizado y de lo salvaje, de lo bello y lo horrible, lo sexual, lo permitido, lo inhibido, lo incivilizado, lo pulsional.
Cinco mujeres que se sumergen en el proceso de mudar la piel en búsqueda de lo individual y de lo primario que luego resuena en lo grupal, en la manada. La puesta en escena de una femineidad dudosa, contrariada, rasposa, voraz. Nos recuestiona sobre la mujer en su límite sutil con lo animal, con ese impulso velado, con aquello que ha sido descartado.
La muerte yace por debajo, omnipresente sin discursarse, aunque sí empapando el paisaje de ese tiempo orgánico, espeso, deliberadamente lento que nos transporta a un universo poético de imágenes casi mitológicas y eminente belleza.

Funciones: jueves 21:00 hs. (hasta el 7 de diciembre)
Lugar: 
Teatro El Kafka (Lambaré 866, CABA)
Entradas: $180 | Desc. jubilados y estudiantes
Reservas: 4862-5439 | 
Alternativateatral
Duración: 50 min.


Ficha técnico-artística:


Dramaturgia: Bianca Lerner
Elenco: Natali Lisman, Pamela Melina Juri Dayan, Daniela Garcia, Fabiana Paisani y Marisol Moreira.
Asistencia coreográfica: Natali Lisman
Música original: Dylan Lerner
Grabación y sonido: Velozet Studio
Foto fija: Adan Jones
Video: Nítido
Diseño de luces y técnica: Javier Drucaroff
Escenografía: Rodrigo Gonzales Carrillo
Vestuario: Rodrigo Gonzales Carrillo & Pieles ROXY.
Prensa: 
Octavia Comunicación 
Producción: Daniela García
Asistente de dirección: Salomé Bazán Rochaix
Dirección: Bianca Lerner
Tutoría: Luis Cano
Colaboración artística: Rubén Szuchmacher y Andrea Servera.




jueves, 5 de octubre de 2017

CONFESIONES EN 2 X 4

DONDE EL TANGO
ES FEMENINO
Y EL AMOR
SE CANTA Y SE BAILA






Escribe:
FERNANDO
GONZÁLEZ OUBIÑA


Hay espectáculos que se quedan en el corazón y lo acompañan a uno de regreso a casa por las veredas de esta Buenos Aires tan teatral, tan plena de imágenes que siguen remitiendo al tango. Confesiones en 2 x 4, (Qué me van a hablar de amor!) está destinado a ser de esos momentos teatrales que debemos atesorar, rara joya que sale de gira a encontrar espectadores por las rutas de nuestro país, motivo o razón para que todos aquellos que disfrutan del buen teatro estén atentos.

La pluma reconocible de Andrea Juliá, dramaturga y actriz multi-premiada -Ver http://arteenbaires.blogspot.com.ar/2017/09/magico-recorrido-dentro-del-alma-de_18.html-, alcanza en esta pieza una sólida madurez, porque desde su experiencia actoral ella sabe muy bien como ofrecer situaciones escritas como plataforma de creación, ya que eso es el texto teatral, un lugar en el que el actor hace pie para pegar el salto, y aquí sucede con dicha. El análisis del texto, si fuera menester formular una crítica literaria,  nos propone el recorrido sensible por un pasado idílico, donde elementos de la más elaborada modernidad, en términos de literatura dramática, tornan simbólicos los contenidos, mientras las acciones y planteo escénico nos remiten a una Buenos Aires en el filo de los años cuarenta, sin que esto sea explícito.

La obra conjuga monólogos de cada una de las tres protagonistas con secuencias de acciones muy ajustadamente coreografiadas. Los textos adquieren el ritmo de un vodevil que enlaza el tango cantado con la repetición de estos, que cada vez adquieren un nuevo y sorprendente sentido; las actrices transitan con idénticas palabras sensaciones muy diferentes. También hay momentos de relajada comicidad y otros donde se torna intensa la sensibilidad femenina. Ciertas acciones simbólicas, que ya constituirían una marca registrada de Juliá, siembran el escenario de recorridos no cotidianos y muy atractivos contrastes físicos, planteando siempre la búsqueda de un lenguaje novedoso y personal que potencia en todos los casos la teatralidad. Los personajes están muy bien delineados y una vasta gama de posibilidades interpretativas también se desprenden de esta dramaturgia que transita lo poético. Soñado edén teatral para estas artistas el contar con una autora-directora que enhebra palabras a medida, en los momentos justos y con las intensidades correctas.

En su desempeño como directora de su propia pieza Andrea Juliá decide recorridos y plantea espacios sólo con lo indispensable, tres sillas, un perchero y la radio, que sin embargo dejan claros los espacios. Se percibe la prolija economía como elemento disparador de conductas que definen el estar y el transitar por el espacio de las actrices. Juliá opta por un recurso riesgoso que es el stop, momento donde el actor congela el movimiento, y lo utiliza varias veces. La recurrencia de esta conducta no molesta ya que en los stop las actrices no están detenidas. Gran acierto, delgada sutileza.

Las tres mujeres componen partituras emocionales resueltas en actitudes distintas y complementarias, se trata de tres amigas que presencian diariamente las transmisiones radiales en vivo. En auditorios atestados de fanáticas del cantante de moda, todas pugnan por esa mirada, por ser distinguidas entre una multitud, cada una desea ser la elegida, aquella mujer especial que el astro convierta en su esposa, para esto se valdrán de femenina astucia y metralla de seducción y así lograr captar la atención de él, El Varón del Tango. Sus vidas adquieren sentido en ese instante mágico: el de la transmisión radiofónica, para luego desencadenar un océano de frustración si no logran ese contacto deseado, que de no existir se inventará y se imaginará. La masculina sonrisa más un guiño, las palabras casuales del cantante querrán decir otras cosas, se convocará así un universo tan frágil como el éter. Todas anhelan ese momento a solas, la atención exclusiva y la sonrisa de él, el idealizado, aunque sea por un segundo, tiempo que amplificarán en su ardiente imaginación, convirtiendo el relato de un instante tonto en épicos sucesos amorosos para que sus amigas mueran de envidia.


Cabe destacar el parejo nivel actoral de las tres intérpretes, todas tienen sus momentos de lucimiento y cada una es poseedora de alguna cualidad sobresaliente. En el caso de Lili Bucay, es una prolija ingenuidad y es un detalle no menor siendo la mayor del grupo, ya que esa conducta torna graciosos muchos de sus comentarios que son celebrados con las risas del público, luego la intensidad emocional de su monólogo da prueba de lo variado de su registro. Marina Pinus exhibe contrastes marcados que estimulan no sólo la acción dramática, sino las conductas de sus compañeras de escena, es una actriz con presencia escénica y un decir muy particular. Finalmente, Lorena Bernasconi completa el terceto con una elegancia muy presente en sus movimientos, seducción y belleza que traspasa la cuarta pared, dando a cada palabra su justa intensidad y entregándose a un recorrido de sensaciones que sabe transitar con sutileza. Todo suma en esta propuesta, vestuario, iluminación y coreografía sitúan y dan un gran marco a esta obra que es desde todo punto de vista una gran celebración de la teatralidad.



Sinopsis de Prensa:

Tres mujeres. Un amor. ¿El real? ¿El soñado? ¿El deseado? Nora, Susana y Aída aman a un hombre y en él al amor en sí mismo. Temen por la soledad, el abandono y la felicidad trunca pero alimentan la ilusión de que el hombre llegará a pesar de todo. Tres mujeres que a través del humor, la poesía y la música podrían ser una. O podrían ser todas las mujeres que aman. Y un hombre: Él. El varón del tango.



Ficha técnico-artística:

Clasificaciones: Musical, Teatro, Adultos

jueves, 28 de septiembre de 2017

UN BALLO IN MASCHERA


VERDI Y LA ASOCIACIÓN MELODRAMMA, UN BUEN DÚO




ESCRIBE:
ALEJO ALVAREZ CASTILLO


Soberbia presentación de Un ballo in maschera. Nueva y contundente puesta en escena de la Asociación Civil Melodramma.

Nos encontramos el domingo 24 de septiembre con un Teatro Avenida repleto, no cabía la cabeza de un alfiler. Quizá causa de la ya consagrada obra de Verdi, junto al debut de Nicolás Bongiovanni, la encarnación de Renato por el maestro Omar Carrión… Muchas razones para estar presentes en esta velada en el Teatro Avenida, que junto al Teatro Colón son los sitios privilegiados para la lírica en nuestra ciudad.


Nada dejado al azar, apreciamos un elenco profesional por excelencia, compenetrado y decidido a contarnos la historia del famoso trío amoroso de Verdi.
Sólo delicias vocales de la soprano Natalia Quiroga Romero (Oscar), impecables coloraturas y cambios de registro, uniformidad envidiable del color vocal, sin dejar de lado la gracia y calidez de su personaje, gran destaque de la presentación.
Su colega, la soprano lírica-spinto: Haydée Dabusti, interpretando el personaje de Amelia, esposa de Renato y enamorada de Riccardo, sumando líneas a su extensa e intachable carrera, dejó helado el teatro con caudalosas expresiones vocales, promoción pura de su esmalte metálico y su contundencia, digna interprete de Amelia. Habituada a retos, cómoda con papeles de gran envergadura, tales como Tosca (Puccini), Carmen (Bizet), Aida (Verdi), Norma (Bellini), Dabusti nos hizo agradecer su retorno a la Ópera y su decisión de abordar a Amelia una vez más.

Celebramos el debut del tenor Nicolás Sánchez Bongiovanni (Riccardo), maravillosa impedancia de voz nos hicieron dejar pasar algunos deslices de colocación. Grata proyección y una voz enorme, presencia y fino legato completaron la perfomance de un cantante que, con seguridad, vamos a continuar mencionando.



Uno de los mejores barítonos y cantantes operísticos de nuestra tierra, gran representante argentino en la lírica: el señor Omar Carrión, convertido en Renato, nos conmovió tanto como nos conmocionó con su magistral técnica y calidez a la hora de actuar. “Es una clase cada vez que lo escucho cantar”, nos comentaron en una oportunidad y no estuvieron errados. Su voz nos hizo querer adelantar el tiempo al tercer acto y escucharlo decir “Alzati; là tuo figlio, a te concedo riveder”. Omar Carrión brindó su experiencia y talento para deleitar a una exaltada audiencia.

La actuación y personificación de los bajos enemigos del Conde, Tom (Gustavo Vita) y Samuel (Alejandro Schijman), estuvo a la altura de este elenco. Brava demostración de la cuerda grave de la ópera, con la que nos compartieron su anhelo de venganza con Ricardo, a través de oscuras y perversas líneas. Lograda con creces la codiciada oscuridad y poder vocal que estos personajes requieren y saben merecer.
También fueron sólidas las actuaciones de Ulrica (Anabella Carnevali, Mezzosoprano), del Juez (Andrés Maffei) y del Coro Orfeón San Ignacio, dirigido por Víctor Betinotti.

Exorbitante perfomance de “Un Ballo in Maschera”, el sábado 30 de Septiembre será la última función. Espectáculo que no debe perderse.






Sinopsis y ficha técnico-artística:

Un baile de máscaras (título original en italiano, Un ballo in maschera) es una ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Antonio Somma, basado en el libreto de Eugène Scribe para la ópera Gustave III de Daniel-François Auber, que se basó vagamente en el asesinato histórico del rey Gustavo III de Suecia. El tema era bien conocido porque había sido usado por otros compositores, incluyendo a Auberpara su ópera de 1833 Gustavo III, o El baile de máscaras y más tarde por Saverio Mercadante para su ópera Il reggente en 1843.
En 1792, el rey de Suecia, Gustavo III, fue asesinado, como resultado de una conspiración política contra él. Recibió un tiro mientras estaba en un baile de máscaras y murió 13 días más tarde por sus heridas. Para el libreto, Scribe conservó los nombres de algunas de las figuras históricas implicadas, la conspiración y el asesinato en un baile de máscaras. El resto de la obra - las caracterizaciones, el romance, la adivinación del futuro, etc. - es invención de Scribe y la ópera no es exacta históricamente.
Sin embargo, para convertirse en Un baile de máscaras que se conoce hoy, la ópera de Verdi (y su libreto) se vio obligado a sufrir una serie de transformaciones, causadas por una combinación de normas de censura tanto en Nápoles como en Roma, así como por la situación política en Francia en enero de 1858.


TEATRO AVENIDA
Av. de Mayo 1222
Género: Opera 
Ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto de Antonio Somma.

Maestro Concertador y Director de Orquesta: Ronaldo Rosa
Intérpretes: Nicolás Sánchez Bongiovanni, Omar Carrión, Haydeé Dabusti, Anabella Carnevali, Natalia Quiroga Romero, Alejandro Schijman, Gustavo Vita, Hugo Negrete Blanco.
Regisseuse: Lizzie Waisse

Presentado por Melodrama, una Asociación Civil que hace varios años cumple con la misión de difundir el Teatro Lírico, con artistas profesionales y dando la oportunidad a nuevos jóvenes talentos. 

miércoles, 27 de septiembre de 2017

Jonestown, Tierra prometida

Un musical inspirado
en lo que produjo la psicosis
de Jim Jones





Escribe:
Alejo Alvarez Castillo


Tragedia hecha musical, ésa es la receta. “Jonestown, Tierra prometida”, producida por “La Fábrica, productos artísticos” y “Baires Productora”, cumplió con su cometido de narrarnos un acontecimiento trágico ocurrido en el año 1978, donde un pastor estadounidense llamado Jim Jones, líder de una comunidad religiosa, esgrimió la constante y siempre seductora promesa de la salvación –¿salvación de qué?–  y se llevó con su psicosis más de novecientas vidas, entre ellas de las de trescientos niños. El hecho que ocurrió en la Guyana consternó a Occidente.




Esta puesta en escena nos intenta contar el por qué de esta verdadera masacre, quizá en un intento de abrir los ojos a los espectadores para que el público pueda derivar en una conclusión y/o reflexión propia. Misión cumplida, me gustaría decir con respecto a esto.

El espectáculo reúne a veintiocho artistas en escena, música de Guns N' Roses y The Police, y un correcto aprovechamiento del escenario del Teatro El Cubo, una combinación certera a la hora de valorarlo.

Apreciamos a un elenco variado y completo, que nos brindó un hecho artístico interesante y homogéneo. Valoramos el trabajo vocal, la coreografía, acordes a la actuación. Junto a esto, debemos destacar el trabajo del Sonidista de la sala, con entradas limpias en cada micrófono del elenco y perfecta combinación de los ambientes pre-grabados.



Quizá un punto a marcar es la utilización de las versiones en español de los temas empleados. Era realmente un choque fuerte el tener que escuchar melodías –con oídos subjetivos y acostumbrados a un determinado timbre– en otras voces, a la vez que en otro género, idioma y contextualización. Hubiera sido más simple y menos frustrante para el espectador otra experiencia auditiva.

Sinopsis de Prensa:

El 18 de noviembre de 1978, los 913 miembros del culto de Jones se suicidaron masivamente. ¿Por qué murieron? ¿Por qué lo hicieron?
"JONESTOWN, Tierra Prometida" es un musical de rock que conduce a sus protagonistas hacia aquel trágico camino de salvación.
Basada en hechos reales esta obra musical cuenta con 28 artistas en escena y música de Guns´n Roses y The Police. ¿Hasta dónde estás dispuesto a llegar para salvarte?





Ficha técnico artística:

Duración: 90 minutos
Clasificaciones: Musical, Adultos


TEATRO EL CUBO
Zelaya 3053 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4963-2568
Web: http://www.cuboabasto.com.ar
Entrada: $ 200,00 - Domingo - 21:00 hs - Del 03/09/2017 al 01/10/2017